Todos Buscan Estilo, Pocos Tienen Metodología

Comienzo nuestra charla pidiendo a Lucas que defina su estilo para vestir y confiesa, “¡Yo no tengo estilo personal!”.  ¿Incluso como arquitecto?  Lucas niega con la cabeza, “No tengo estilo porque no quiero definirlo”.  Su respuesta choca con una narrativa común en el ámbito de la moda:  la exhortación a concretar un estilo personal cuanto antes, valiéndonos de infinidad de tips.  “En la arquitectura, como en la moda, definir un estilo es una gran manera de ganar mercado porque tus obras se reconocen de forma superficial,” apunta Lucas, “pero para mí, cada proyecto es un universo que se define por sus propios requerimientos”.

Lucas pausa. “Lo que sí tengo es un método”.  Más allá de definir estilos, para Lucas las artes aplicadas tienen que ver principalmente con la metodología, es decir, un proceso exploratorio que es único para cada quien.  Por ello, percibir el estilo como una especie de trofeo estático es una trampa; el estilo es un concepto móvil porque el ser humano vive continuamente en estados emergentes.  La función del arquitecto es guiar al cliente a través de esas transiciones, “¡Como si fuera una aventura!,” dice Lucas, “Entramos sin prejuicios y nuestras mentes van evolucionando durante el proceso, como debe de ser”.

Si existe rigidez al diseñar (¡o al vestir!) se pierde el descubrimiento que busca cualquier arte. “No se trata de que los clientes digan, ‘Diséñame una casa de 500 metros con las siguientes características’ y yo responda, ‘Listo, ¡toma!  Aquí va el cuarto, acá va el baño…’”.  En vez de apresurarnos a una conclusión adelantada, Lucas sugiere cultivar la apertura y fluidez para cuestionar nuestras suposiciones más preciadas e incluso la identidad a la que nos aferramos.

Por lo tanto, Lucas describe su metodología como un vaivén exploratorio, una especie de danza con el cliente que los desplaza de lo general a lo particular.  “Nunca presento un plano concreto.  Empezamos con lo abstracto – imaginación, sentimientos, ideas borrosas – y a lo largo de varios meses se asoman los conceptos específicos como la materialidad”.

Conversar con Lucas me recuerda que las artes aplicadas no son aptas para cobardes. “Mi proceso se mece entre la frustración y la satisfacción,” explica, “Todos los días están llenos de aciertos y desaciertos.  Es similar al método diagnóstico del Dr. House en el que cada intento fallido es un peldaño hacia el tratamiento correcto”.

No puedo evitar pensar,

¿cuál fue la última vez que me vestí dispuesta a fracasar de brazos abiertos, con el ánimo de aprender de un posible error?

Para Lucas, crear el espacio habitable más íntimo de un cliente requiere enfrentarse con cuestiones psicológicas, emocionales y físicas, desde sus hábitos hasta sus relaciones interpersonales.  Resalta lo clave que es entablar una relación de confianza porque, “nuestra colaboración se asemeja a una terapia.  Es como una purga de identidad, una maravillosa fiebre que expulsa cosas desde el núcleo de la persona”.  Los apasionados de la moda también buscan la catarsis del auto-descubrimiento, pero Lucas advierte que las metamorfosis pueden ser incómodas, si no dolorosas, “Muchas de las grandes obras arquitectónicas han sido motivo de que las parejas se separen porque el proceso puede despertar asperezas que han estado latentes y caen en cuenta de que no son compatibles”.

Una Esencia Compartida

Al discutir la relación entre las dos artes, Lucas señala que la metodología es precisamente la mayor similitud entre ellas, “Lo que más tiene en común un diseñador de modas con un arquitecto son los pasos a seguir para cristalizar una obra.  Pueden haber semejanzas visuales, pero el vínculo más estrecho no está en lo que vemos, sino en los procesos creativos invisibles.”  Lo intangible también es esencial porque el diseño proviene de la aspiración – no se diseña en base a lo que se ve, sino en base a nuestra convicción de cómo deberían ser las cosas.

Pasando al plano tangible, el área principal de intersección con la moda es la materialidad, gracias a la flexibilidad y estructura comparable de los componentes.  “Podemos forrar un interior con madera generando cortes, pliegos y dobles del mismo modo que un modisto lo haría con una tela”, dice Lucas, agregando que en ambos mundos, es fundamental respetar lo que el material quiere hacer.

¿Cómo que “lo que quiere”?  Con la tecnología actual, ¿acaso no podemos hacer lo que se nos da la gana con casi cualquier material?   Lucas difiere, “Si un material se tiene que forzar, no es correcto para esa obra.  Por eso tengo que conocer al material intuitivamente, saber lo que representa y cómo reacciona, y entender si puede dar de manera orgánica la forma y textura que deseo.”

Ante tal afinidad, no me sorprende que arquitectos de primera talla han colaborado con marcas de moda, como es el caso de las tiendas emblemáticas que el célebre arquitecto Rem Koolhaas diseñó para Prada, las cuales Lucas considera, “espectaculares”.  Incluso hay arquitectos que traspasan su campo para aventurarse en la moda, incluyendo a Zaha Hadid, cuyos diseños para Adidas y Louis Vuitton causaron revuelo, o Frank Gehry, que concibió un extravagante sombrero metálico para la mismísima Lady Gaga.  Cierro los ojos, tratando de imaginar lo opuesto – quizá un aeropuerto internacional ideado por Issey Miyake, o, de haber vivido, ¿por qué no?,

¡un museo horneado en la mente de Oscar de la Renta! 

¡Mejor aún, una catedral diseñada por Alexander McQueen! – y siento un escalofrío en la nuca.

El Sentido se Descubre Mediante las Diferencias

Entramos al tema de cómo difiere la arquitectura de la moda y Lucas describe tres ejes interrelacionados:

El Tiempo

Exceptuando la joyería, los materiales de la moda responden a la temporalidad efímera de la vida humana, mientras que las grandes estructuras superan nuestras limitaciones cronológicas.  El consumidor ético podrá donar sus prendas o prolongar su duración como piezas ‘vintage’, pero eventualmente terminan recicladas o, en el peor de los casos, desechadas.

Las edificaciones perduran, así que le pregunto a Lucas si tiene la misma apreciación por estructuras viejas y nuevas.  “Hablar de nuevo-versus-viejo presenta una falsa dualidad, porque no se trata de modernismo contra clasicismo”, responde, “Es un tema de rigor, que trasciende movimientos”.  Expresa que lo que más importa no es la edad de una obra, sino si se contempló su eventual envejecimiento, “¡Volvemos al respeto por los materiales!  Si entiendo cómo evoluciona, por decir, el ladrillo ante el desgaste de varias décadas, puedo diseñar con intención.”

Mientras que en la moda tratamos de mantener nuestra vestimenta en estado impecable el mayor tiempo posible, el rigor arquitectónico encuentra un valor singular en la descomposición.  Al transcurrir los años, este rigor se manifiesta cada vez más en lo que Lucas llama el ‘efecto pátina’, “El cobre, por ejemplo, es como una versión opacada del oro, pero la humedad lo torna verdoso; de modo similar, el acero adquiere un vibrante aspecto rojizo al oxidarse.”  Una estructura planeada con rigor absorbe las características de su entorno – la erosión, las temperaturas extremas, la flora silvestre e incluso los microorganismos como la bacteria – y las integra a su carácter, realzando la belleza su diseño original.

  Lucas lo compara a la impresión que nos deja una persona mayor que ha madurado de manera íntegra.

Lucas me ilustra el concepto, “Imagina un edificio de estuco sobre bloque cuya exposición al clima ha dejado burbujas en la pintura e infinidad de rajaduras, exhibiendo un panorama de declive.  Ahora pensemos en un chalet de piedra donde el musgo ha crecido entre las juntas, provocando una sensación acogedora.”  Ésta es la  diferencia entre el simple deterioro y un añejamiento que confiere una resonancia histórica y mayor peso visual, cosa que raramente es posible con la indumentaria.

El tiempo también afecta otros aspectos de la relación.  Lucas indica que, aunque la arquitectura y la moda se nutren de las mismas corrientes sociales, políticas y culturales, la moda tiende a inspirarse más de la arquitectura que viceversa.  Gracias a nuestra temporalidad, la moda incorpora matices sociales de manera casi instantánea; tanto así que cada semana parece traer nuevas tendencias.   Como un buque macizo que tarda en girar, la arquitectura tarda en asimilar nuevas influencias, pero su impacto es exponencialmente más visible y sobresaliente que el de la moda.

El Movimiento

En ambas artes, el movimiento se relaciona con el tiempo en una especie de subibaja: entre más aumenta uno, más disminuye el otro.  Lucas explica que lo que un edificio gana en permanencia se reduce en flexibilidad

“El material que usamos en arquitectura es estático, por lo que el movimiento también es estacionario; por su parte, la vestimenta reacciona al instante porque refleja la condición cinética del cuerpo humano.”

Como la extensión más íntima de nuestro ser, los materiales de la moda requieren más versatilidad para amoldarse a nosotros que cualquier edificación.   Las piezas que portamos responden con tal destreza y rango de expresión – adaptándose constantemente al agua, viento y demás estímulos  – que aparentan ser entes movedizos que viven por cuenta propia.

Dicho esto, Lucas aclara que existen formas intrépidas de dar mayor movimiento a las obras arquitectónicas.  Tal es el caso de la afamada ‘Casa sin Paredes’ del arquitecto japonés Shigeru Ban; sus fachadas están cubiertas por una enorme cortina de doble altura que hace visible la circulación del viento de manera inusual y extraordinaria.

Con este ejemplo:

Lucas ilustra nuevamente que cuando hay creatividad en la metodología se puede superar cualquier limitación.

La Escala

Es evidente para cualquiera que la moda – cuyo lienzo es el cuerpo humano – opera a una escala minúscula a comparación de la arquitectura.  Lucas afirma que aunque las dos artes relacionan al ser humano con su exterior, “una casa o edificio enclaustra al individuo bajo un sistema de componentes espaciales: paredes, techo, columnas, ventanas.  Por su lado, la vestimenta enclaustra al individuo en un sistema de elementos más próximos, como la tela.  La arquitectura enclaustra y, a la vez, genera un ambiente en el que la persona se mueve e interactúa; en cambio, la moda no puede hacer lo mismo y se utiliza para moverse en un espacio abierto o cerrado.”

Estas propiedades obligan a la arquitectura a obrar de modos distintos a la moda, por más que compartan el mismo propósito.  “La diferencia fundamental relativa a la escala,” señala Lucas, “es que la moda proyecta al ser humano hacia su exterior, mientras que la arquitectura proyecta al ser humano hacia su interior.”  Su descripción me trae a la mente dos piezas de rompecabezas que encajan a la perfección: la obra que nos arropa en la escala menor, que es expresión de la moda, se relaciona con el espacio que habitamos, que es expresión de la arquitectura.

Curiosamente, la esencia de estas artes parece iluminarse más por sus divergencias que sus similitudes.  A lo largo de los ejes que expone Lucas, vemos que la moda es un reflejo invertido de la arquitectura: habita el mismo espectro y cumple con el mismo propósito, pero de modo contrapuesto.  Así que las posibilidades que la moda pierde en permanencia, tamaño y alcance, se rescatan en inmediatez, vivacidad, y agilidad.  ¡Y viceversa con la arquitectura!

La Moda Tiene el Sentido que le Damos

Mi plática con Lucas demuestra que las artes vecinas pueden servir para despejar el panorama de la moda: si ésta comparte el mismo cimiento que la arquitectura, una no tiene por qué valer más que la otra.  El punto de mayor trascendencia es que tanto la moda como la arquitectura son formas de alumbrar la condición humana y nos brindan la oportunidad de participar en los momentos sociales e históricos más transcendentes de nuestra era.  ¿Quién no quisiera el orgullo de declarar, “Mientras tuve vida, fui parte de esos movimientos humanos, pero ¡a mi manera!”?.

Perseguir el estilo a toda costa es un auto-sabotaje porque el sello único e irrepetible de todo individuo está en renacimiento constante – en cada etapa la persona asume una nueva identidad que incorpora, y a la vez transciende, su identidad anterior.

Mi conversación con Lucas me recuerda que cada pieza que portamos – al igual que cada obra que habitamos – no sólo invoca nuestra relación íntima con ciclos personales de ruptura y continuidad, sino que activamente promueve esa cadena evolutiva.

Como dice Lucas, “El diseño se adapta a las condiciones de la persona, y a la vez, busca cambiar esas condiciones.  Soy un firme creyente de que las artes aplicadas activan y mejoran el comportamiento humano”.

La proyección de nuestro ser hacia el exterior mediante la moda, o bien hacia el interior mediante la arquitectura, produce un sinfín de revelaciones, vivencias, retroalimentaciones y vínculos humanos que alteran la trayectoria de nuestras vidas.  De tal modo que lo que arrojamos al exterior por medio de la vestimenta se transforma y vuelve, reflejado, a nuestro interior.  La comercialización de la moda por sí sola no es capaz alterar esa dinámica.

A lo largo de nuestra plática, Lucas hace hincapié en lo fácil que es caer en alguna trampa.  En ambas artes, el producto final es tan llamativo que es fácil confundir lo visible con lo invisible, pero el magnífico vestido que todos notamos es tan sólo la punta del iceberg.

Como los grandes arquitectos, debemos recordar que el proceso creativo es aún más valioso que el resultado que emerge de él.  Lo que nos lleva a una expresión auténtica – ese estilo personal que la gente tanto busca – no es solamente el producto final, sino también la búsqueda humana detrás de él.   Cuando tomamos un atajo y asimilamos tendencias de forma indiscriminada en vez de construir un cimiento intangible, como témpano bajo la superficie del agua, la moda deja de ser un medio de auto-conocimiento.

Los modelos de consumo masivo que dominan el mercado actual desembocan en productos que parecen tener poco sentido humano porque su función es meramente utilitaria, por no decir de lucro económico.

¿Qué podemos hacer al respecto? 

No creo que sea sensato condenar cualquier consideración comercial.   En la moda como en la arquitectura, la fricción entre la dimensión puramente artística y las exigencias comerciales es sana.  Bien podríamos imaginar una prenda de visión tan quijotesca o radicalmente abstracta que sería impráctico portarla fuera de la pasarela.  Por más que tenga valor como declaración artística, tal pieza existiría un tanto alejada de la vida humana – y la moda no busca crear piezas de museo.  Del otro extremo del péndulo existe la vestimenta puramente mercantil, que tampoco es moda.   La moda verdaderamente dinámica existe en el terreno entre estos dos extremos porque debe ser un matrimonio entre la creatividad artística y la realidad cotidiana de los seres humanos.

Siempre van a existir tendencias banales que se derivan de los intereses comerciales, pero el sentido de la moda permanece siempre y cuando hagamos consciencia de nuestra creatividad intrínseca.  El mercado se desborda con productos homogéneos que provienen de los conglomerados de ‘fast fashion’, por lo que es más importante que nunca alimentar nuestra capacidad de auto-reflexión.

Como afirma Lucas, la metodología no es sólo responsabilidad del diseñador, sino también del cliente.  Renunciar a esta tarea es, de cierto modo, renunciar a nosotros mismos porque la pérdida de la exploración equivale a la pérdida de nuestra potencialidad humana.

Si esperamos que el arquitecto o el modisto nos dé respuestas predigeridas de afuera hacia adentro, corremos el riesgo de extinguir los destinos que de otro modo pudieron haber aflorado en nosotros.

Podrá no tener estilo personal, pero Lucas Correa nos deja con una gran lección: que no debemos tenerle miedo a nuestra autenticidad, ni al desarrollo de nuestras propias metodologías a la hora de vestir.  Como cualquier otra arte aplicada, la moda jamás puede perder relevancia si, al aplicar nuestro proceso, nos damos permiso de sentirnos confundidos, estremecidos, animados, decepcionados, e incluso contradecirnos de un día a otro.

Cuando de exploración se trata, ¡todo se vale!

Fotografía: Pablo Ortega
Edición y Montaje: Jorge de los Santos
Indumentaria: Lia Padilla
Modelo: Violeta Purtschert